펄프 픽션

쿠엔틴 타란티노는 로저 에이버리의 소설 『검은 수탉』에서 영감을 받아, 처음에는 단편 모음집 형식의 영화를 구상했다. 이 초기 기획은 각기 다른 이야기들이 얽히는 구조를 가졌으며, 이후 그의 첫 장편 영화인 『저수지의 개들』의 성공으로 구체화될 기반이 되었다.

타란티노는 1990년대 초, 『트루 로맨스』와 『내추럴 본 킬러』의 각본을 판매하여 얻은 자금으로 『펄프 픽션』의 제작을 본격적으로 추진했다. 그는 3편의 단편을 하나의 장편으로 엮는 방식을 채택했으며, 각 에피소드의 시간 순서를 의도적으로 뒤섞어 관객이 퍼즐을 맞추는 듯한 경험을 제공하고자 했다. 이 비선형적 서사는 당시 헐리우드의 관습적인 플롯 구조에 대한 도전이었다.

기획 단계에서 영화의 제목은 여러 번 변경되었다. '블랙 마스크'[2]라는 제안도 있었으나, 그는 결국 값싼 펄프 잡지에서 연재되던 범죄 소설의 느낌을 담은 『펄프 픽션』으로 확정했다. 이 제목은 영화가 지향하는 장르적 혼합과 대중문화에 대한 오마주를 함축했다.

쿠엔틴 타란티노는 펄프 픽션의 초기 시나리오를 완성한 후, 여러 영화사를 통해 제작 자금을 모으려 했다. 당시 그의 데뷔작인 저수지의 개들이 비평가들로부터 호평을 받았지만 상업적으로는 큰 성공을 거두지 못했기 때문에, 대형 스튜디오들은 800만 달러에 달하는 그의 예산 요구를 수용하기를 꺼렸다.

이때 미라맥스의 공동 창립자인 하비 와인스타인이 시나리오에 주목했다. 그는 타란티노의 독창적인 서사와 대화에 매료되어 즉시 제작을 승인했다. 미라맥스는 비교적 적은 예산으로 독립 영화에 투자하는 데 특화된 회사였으며, 예술적 통제를 감독에게 상당 부분 양보하는 것으로 알려져 있었다. 이는 타란티노가 자신의 비전을 완전히 실현할 수 있는 이상적인 환경을 제공했다.

미라맥스와의 협업은 재정적 지원을 넘어 마케팅 전략에서도 두드러졌다. 회사는 영화의 독특한 비선형적 구조와 강렬한 대사, 스타일리시한 연출을 강조하는 캠페인을 펼쳤다. 특히 칸 영화제에서 황금종려상을 수상한 것은 영화에 대한 엄청난 관심을 불러일으키는 계기가 되었고, 미라맥스는 이 흐름을 탄력적으로 이용하여 북미 및 전 세계 개봉에 성공했다.

이 협업은 결과적으로 상호 간에 결정적인 성공을 가져왔다. 펄프 픽션은 전 세계적으로 2억 달러가 넘는 흥행 수익을 올리며 독립 영화의 상업적 가능성을 새롭게 정의했고, 미라맥스는 1990년대 가장 영향력 있는 독립 영화 배급사로서의 입지를 공고히 했다. 이 성공은 이후 수많은 독립 영화 제작자들에게 큰 영감을 주는 모델이 되었다.

이 영화는 전통적인 시간 순서를 따르지 않는 비선형적 서사 구조를 채택하여 이야기를 전개한다. 세 가지 주요 에피소드("빈센트 베가와 마살라스 윈의 아내", "황금 시계", "보니의 상황")는 서로 얽혀 있지만, 시간선이 뒤섞여 제시된다. 관객은 사건의 결과를 먼저 목격한 후, 그 원인과 배경을 점차 파악하게 되는 방식을 경험한다.

이 구조는 단순한 시간적 뒤섞음을 넘어, 인과 관계와 우연의 주제를 부각시키는 역할을 한다. 예를 들어, 빈센트와 줄스의 총격 사건으로 시작하는 오프닝 장면은 실제로는 중간 부분에 해당하는 사건이며, 그 전말은 영화 후반에 이르러서야 완전히 드러난다. 마찬가지로 부치의 이야기에서 황금 시계의 의미는 플래시백을 통해 설명된다.

시간의 재배치는 관객에게 기존의 서사적 기대를 깨고, 등장인물들의 운명과 선택을 새로운 시각으로 바라보게 한다. 각 에피소드의 시작과 끝이 서로 맞물려 하나의 순환 구조를 형성하며, 이는 영화의 마지막 장면이 오프닝 장면 직전의 시간대에서 벌어짐으로써 완성된다. 이러한 구성은 쿠엔틴 타란티노의 독창적인 스토리텔링 방식을 보여주는 대표적 사례로 평가받는다.

펄프 픽션의 플롯은 세 개의 주요 이야기가 서로 얽히고 엮여 구성된다. 각 이야기는 시간 순서대로 진행되지 않으며, 인물과 사건을 통해 연결된다.

첫 번째 이야기는 "빈센트 베가와 마살라스 월리스의 아내"이다. 갱 빈센트 베가는 보스 마살라스 월리스의 부탁으로 그의 아내 미아 월리스와 데이트를 한다. 이 에피소드는 레스토랑에서의 대화, 주크박스 춤 경연, 그리고 미아의 약물 과다 복용 위기로 이어진다. 두 번째 이야기는 "황금 시계"로, 권투 선수 부치 쿨리지가 시합을 조작하고 도주하는 과정을 다룬다. 그는 아버지의 유품인 황금 시계를 찾기 위해 자신의 아파트로 돌아가고, 그곳에서 빈센트와 마주쳐 총격전을 벌인다. 세 번째 이야기는 "본즈"로, 빈센트와 그의 파트너 줄스 윈필드가 청년들을 처단하는 임무를 수행하는 것으로 시작한다. 이 에피소드는 기적적인 생존, 갱스터 생활에 대한 회의, 그리고 오프닝 장면이기도 한 레스토랑 강도 사건으로 마무리된다.

이 세 이야기는 다음과 같은 순서로 편집되어 관객에게 제시된다.

이러한 비선형적 구조는 인과 관계를 재배치하여 관객이 사건의 전체적인 맥락을 점차 파악하도록 유도한다. 예를 들어, "황금 시계" 에피소드에서 빈센트가 사망하지만, 이전 시간대를 다루는 다른 에피소드에서 그는 다시 등장한다. 이는 전통적인 서사 구조를 해체하고, 운명과 우연의 주제를 부각시키는 효과를 낳는다.

빈센트 베가는 마약 거래상 마르셀러스 월리스의 충실한 심부름꾼이자 킬러이다. 그는 네덜란드에서 막 귀국한 상태로, 상사의 아내 미아 월리스를 돌보라는 임무를 부담스러워한다. 그는 냉철하고 직관적인 동료 줄스 윈필드와 달리, 사소한 일에 신경을 쓰고 우유부단한 성격을 보이기도 한다. 그의 캐릭터는 영화 내내 위험한 상황과 내적 갈등에 직면한다.

줄스 윈필드는 빈센트의 파트너로, 강력한 카리스마와 확고한 신념을 가진 인물이다. 그는 살인을 직업으로 삼으면서도 성경 에제키엘 25장 17절의 구절을 낭송하는 등 독특한 철학을 지니고 있다. 그는 사건을 계기로 자신의 삶과 직업에 대해 깊은 회의를 품게 되며, 이는 그의 운명을 결정짓는 중요한 계기가 된다. 그의 캐릭터 아크는 영화의 핵심적인 주제 중 하나인 구원과 변화를 상징한다.

두 인물의 관계와 상호작용은 영화의 초반부를 이끄는 동력이다. 그들은 트렁크에 든 중요한 서류가방을 되찾기 위해 젊은 조직원들을 처단하는 임무를 수행한다. 이 과정에서 벌어지는 예상치 못한 사건과 그에 대한 서로 다른 반응은 각자의 성격을 극명하게 대비시키며, 이후 전개될 비선형적 서사의 중요한 시발점이 된다.

부치 쿨리지는 쿠엔틴 타란티노가 연출한 펄프 픽션의 주요 등장인물 중 한 명이다. 그는 브루스 윌리스가 연기한 전직 권투 선수로, 마샬러스 월리스가 주최하는 시합에서 거액의 뇌물을 받고 일부러 패배하기로 약속했으나, 상대를 죽여버리고 승리한 뒤 도주한다. 이 행동은 그를 조직의 표적이 되게 만든다.

그의 이야기는 영화의 비선형적 서사 구조 속에서 '황금 시계의 남자'[5]라는 에피소드로 집중적으로 다루어진다. 이 에피소드는 그의 유년 시절 회상 장면으로 시작되며, 베트남 전쟁에서 돌아온 그의 아버지의 친구가 위험을 무릅쓰고 전달한 가문의 소중한 유품인 황금 시계가 중요한 소품으로 등장한다. 이 시계는 그의 운명과 깊이 연결되어 있다.

도주 중, 그는 자신이 잊고 떠나온 아파트로 시계를 찾으러 돌아가게 되고, 그곳에서 마샬러스 월리스를 우연히 마주치게 된다. 이들의 치명적인 대결은 이후 지하실에서의 충격적인 구출 장면으로 이어진다. 부치의 캐릭터는 약속을 배반한 이기주의자처럼 시작하지만, 최후의 순간에 적에게 포로된 마샬러스를 구하는 선택을 통해 복잡한 도덕적 결말을 맞이한다.

그의 서사는 단순한 도주기가 아니라, 가족의 유산과 명예, 그리고 예상치 못한 상황에서의 우정과 구원에 대한 이야기로 확장된다. 이는 영화의 다른 폭력적이고 시니컬한 이야기들과 대비되는 인간적인 측면을 제공한다.

미아 월리스는 마르셀러스 월리스의 아내이자 전 텔레비전 배우이다. 그녀는 남편의 부재 중에 빈센트 베가와 데이트를 하게 된다. 영화에서 그녀는 쿠엔틴 타란티노의 대화 중심 연출을 보여주는 핵심 인물로, 빈센트와의 대화 장면들이 길게 이어진다.

그녀의 캐릭터는 표면적으로는 차갑고 도시적인 느낌을 주지만, 내면의 불안과 허무함을 간직하고 있다. 이는 그녀가 빈센트에게 남편의 일에 대해 물어보는 장면이나, 자신의 연기 경력을 이야기하는 대화에서 드러난다. 영화의 중반부에는 빈센트와 함께 잭 래빗 슬림 레스토랑에 가서 주크박스 춤 경연에 참여하는 유명한 장면이 등장한다.

집으로 돌아온 후, 그녀는 빈센트의 코카인을 헤로인으로 오인하여 과다 복용하게 되고, 위급한 상황에 빠진다. 이 장면은 영화의 긴장감을 극적으로 반전시키며, 빈센트가 그녀를 구하기 위해 급히 약사에게 데려가는 액션을 촉발한다. 이 위기 이후 그녀와 빈센트는 서로의 경계를 인정하며 조용히 헤어진다.

그녀의 캐릭터는 1990년대 영화 속 여성상에 대한 새로운 해석으로 평가받으며, 패시브한 히로인이 아닌 적극적이면서도 취약한 존재를 보여준다.

영화는 전통적인 플롯 추진보다 등장인물들 간의 길고 자연스러운 대화를 통해 이야기를 전개하고 캐릭터를 형성한다. 이 대화들은 종종 일상적이거나 사소한 주제를 다루지만, 등장인물의 세계관, 관계, 그리고 갈등이 드러나는 핵심 수단이 된다. 예를 들어, 빈센트 베가와 줄스 윈필드가 차를 타고 이동하며 햄버거의 명칭이나 발 마사지의 의미에 대해 논하는 장면은 그들의 직업적 위험성과 대비되는 평범한 일면을 보여준다.

대화의 연출은 주로 정적인 샷과 롱테이크를 활용하여, 배우들의 연기와 대사에 집중할 수 있도록 한다. 카메라는 대화의 흐름을 따라가며, 등장인물의 표정과 제스처를 세밀하게 포착한다. 이는 관객으로 하여금 대화의 리듬과 함축된 의미에 몰입하게 만든다. 레스토랑에서의 강도 짝 대화나 부치 쿨리지와 파브ienne의 아침 대화는 이러한 기법의 대표적 사례이다.

쿠엔틴 타란티노는 대화를 통해 긴장감을 조성하거나 해소하는 데도 탁월하다. 긴장이 고조되는 순간에도 등장인물들은 예상치 못한 주제로 대화를 이어가며 독특한 유머와 리얼리즘을 창출한다. 이는 폭력적인 장면과의 극적 대비를 이루어 영화의 독특한 톤을 확립한다. 대화 자체가 서스펜스의 원천이 되기도 하여, 관객은 다음에 어떤 이야기가 나올지 예측할 수 없게 된다.

이러한 대화 중심의 연출 방식은 1990년대 독립 영화의 주요 흐름에 영향을 주었으며, 이후 수많은 영화 제작자들에게 영감을 제공했다[6].

영화의 사운드트랙은 쿠엔틴 타란티노가 직접 선곡하여, 1970년대의 서프 뮤직, 솔, 펑크, 록 등 다양한 장르의 곡들로 구성되었다. 이 음악들은 단순한 배경음악을 넘어서서 장면의 분위기를 결정하고 등장인물의 심리를 강력하게 드러내는 서사적 도구로 기능한다. 예를 들어, 더스트 스프링필드의 "Son of a Preacher Man"은 미아 월리스가 집에 돌아와 헤로인을 발견하는 긴장된 장면에 사용되어 아이러니한 대비를 만든다.

특히 영화의 오프닝 크레딧 장면에서는 딕 데일과 히스 델가츠의 서프 록 곡 "Misirlou"가 사용되어 영화의 강렬하고 스타일리시한 톤을 단번에 설정한다. 주크박스 춤 경연 장면에서는 척 베리의 "You Never Can Tell"이 흘러나오며, 이 곡은 장면의 경쾌하고 유쾌한 에너지를 한층 높이는 동시에, 빈센트와 미아 사이의 묘한 관계를 은유적으로 표현한다.

사운드트랙 앨범은 상업적으로도 큰 성공을 거두었으며, 1990년대 영화 음악의 부활과 레트로 문화의 유행에 중요한 기여를 했다. 타란티노는 대화 장면에서도 디제이처럼 음악을 틀어놓는 방식을 자주 사용하는데, 이는 현실감을 높이면서도 영화 전체에 리듬감을 부여하는 그의 독특한 연출 특징이 되었다.

영화는 쿠엔틴 타란티노와 로저 에이버리의 협업으로 완성된 독특한 시각 언어를 보여준다. 타란티노는 B급 영화와 블랙 코미디에서 영감을 받아, 세련되면서도 거친 미학을 혼합했다. 특히 필름 느와르의 어두운 분위기와 1970년대 그라인드하우스 영화의 과장된 스타일을 현대적으로 재해석한 점이 특징이다.

카메라 워크는 의도적으로 역동적이고 실험적이다. 낮은 각도 샷, 트래킹 샷, 그리고 360도 회전하는 캐리커처 같은 기법이 인물의 심리나 장면의 긴장감을 강조한다. 예를 들어, 미아 월리스와 빈센트 베가가 잭 래빗 슬림에 갔을 때 카메라가 테이블 아래를 비추며 대화를 포착하는 장면은 친밀감과 불안감을 동시에 생성한다. 이러한 기법들은 관객을 장면 속으로 끌어들이고, 일상적인 대화를 시각적으로 흥미롭게 만든다.

의상과 미술 디자인 또한 서사와 강하게 연관된다. 줄스와 빈센트의 검은 정장은 그들의 직업적 정체성을 상징하며, 부치의 복싱복과 아버지의 시계는 과거와의 연결고리를 나타낸다. 미아 월리스의 백색 셔츠와 검은 바지, 그리고 단발머리는 프랑스 누벨바그 영화의 여주인공을 연상시키는 동시에 날카로운 매력을 부여한다. 세트장은 실제 로스앤젤레스의 평범한 공간들(아파트, 식당, 주차장)을 사용했지만, 각종 소품과 색채 배치를 통해 펄프 소설 특유의 과장되고 스타일화된 세계관을 구축한다.

편집 면에서 영화는 점프 컷과 비선형적 시간 구조를 통해 전통적인 스토리텔링 방식을 거부한다. 시간의 왜곡과 장면의 재배치는 관객이 사건들을 재구성하도록 유도하며, 이는 영화의 주요 테마 중 하나인 우연과 운명을 반영한다. 이러한 시각적 선택들은 단순한 스타일이 아니라, 영화의 서사 구조와 주제 의식에 깊이 통합되어 있다.

오프닝 레스토랑 장면은 영화의 프롤로그이자 에필로그를 동시에 구성하는 중요한 서사 장치로 기능한다. 이 장면은 "펌프킨"과 "허니 버니"라는 별명을 가진 커플이 식당에서 강도를 논의하는 것으로 시작한다. 그들의 대화는 일상적이면서도 범죄를 실행하기 위한 냉정한 계산이 담겨 있어, 영화 전체의 비선형적 서사와 평범함 속에 잠재된 폭력성을 암시한다.

장면은 두 가지 시간대에서 교차하여 보여진다. 첫 번째는 강도 실행 직전의 상황이며, 두 번째는 영화의 마지막을 장식하는 에필로그이다. 이 구조는 관객에게 시간의 흐름에 대한 통념을 깨고, 사건의 인과 관계보다는 순간의 강렬함과 캐릭터의 결정에 집중하게 만든다. 특히 줄스 윈필드가 이 장면에 등장하며, 그의 인생관 변화를 보여주는 결정적 순간이 된다.

이 장면은 영화의 주요 테마인 우연, 운명, 그리고 도덕적 선택을 집약적으로 보여준다. 사소한 대화로 시작한 강도 계획이 예상치 못한 인물과의 조우로 인해 전혀 다른 결말을 맞이하는 과정은, 쿠엔틴 타란티노 감독의 서사적 유희를 대표하는 예시가 된다. 또한, 장면의 마지막 대사는 영화의 제목과도 깊은 연관성을 가지며, 전체 이야기를 하나의 루프로 연결하는 역할을 한다[7].

주크박스 춤 경연 장면은 미아 월리스와 빈센트 베가가 잭 래빗 슬림 레스토랑에서 벌이는 즉흥적인 트위스트 춤 대결를 그린다. 이 장면은 영화의 상징적인 순간 중 하나로, 긴장감 넘치는 서사 속에 삽입된 가벼운 유머와 캐릭터 간의 화학 반응을 선보인다. 쿠엔틴 타란티노는 이 춤을 통해 두 인물의 관계가 로맨틱한 방향으로 흐르지 않음을 보여주면서도, 일상적이지 않은 상황에서의 특별한 유대감을 형성한다.

장면은 척 베리의 〈You Never Can Tell〉이 흐르는 가운데 진행된다. 미아가 먼저 춤을 제안하고, 빈센트는 당황하면서도 따라 나선다. 타란티노는 정교한 카메라 워크보다는 비교적 정적인 샷을 사용하여 두 배우의 연기와 춤 자체에 집중한다. 움 트라먼과 존 트라볼타의 실제 춤 실력이 돋보이는 이 장면은 사전에 세심하게 안무되고 연습되었다.

이 춤 경연은 단순한 유흥을 넘어 영화의 핵심 주제 중 하나인 '우연한 상황이 인생을 바꾼다'는 점을 상기시킨다. 또한, 갱스터 영화의 클리셰를 깨고 캐릭터를 인간적으로 풀어낸 순간으로 평가받는다. 음악, 춤, 연기가 조화를 이루며 영화의 전설적인 부분으로 자리 잡았다.

지하실 구출 장면은 마르셀러스 월리스가 부치 쿨리지에게 패배한 후, 한 가게 지하실에 끌려가 메이너드와 지드라는 두 명의 남성에게 성적 폭행을 당할 위기에 처하는 장면이다. 이 장면은 영화의 폭력성과 어두운 유머, 운명의 역전이라는 주제를 집약적으로 보여준다.

부치는 자신의 유산인 시계를 찾기 위해 아파트로 돌아왔다가 마르셀러스를 우연히 마주치고, 그를 차로 치는 사고를 낸다. 둘은 근처 가게에 추락하며 싸움을 벌이게 되고, 마르셀러스는 승부에서 패배한다. 그가 기절한 사이, 가게 주인인 메이너드는 지드와 함께 마르셀러스를 지하실로 끌고 가고, 부치는 가게에 갇히게 된다. 지하실에서 메이너드와 지드는 경찰 제복을 착용한 채 마르셀러스를 구속하며 그를 강간하려는 의도를 드러낸다. 이는 영화 전체를 통틀어 가장 충격적이고 불편한 긴장감을 조성하는 순간이다.

갇힌 부치는 탈출을 시도하다가 우연히 문 뒤에 걸려있던 여러 무기 중 사무라이 검을 발견한다. 그는 검을 선택하고, 지하실로 내려가 메이너드를 기습하여 제압한다. 부치는 마르셀러스의 수갑을 풀어주기 전에 지드에게 복수할 기회를 양보한다. 마르셀러스는 메이너드의 소유권을 주장하며 그를 붙잡은 뒤, 지드가 도망치려는 순간 그를 총으로 쏜다. 이 장면은 갑작스러운 폭력과 함께 캐릭터들의 관계가 순식간에 역전되는 극적인 전환을 보여준다. 마르셀러스와 부치는 서로의 죄를 묻지 않기로 약속하며, 이 치욕적인 사건을 비밀로 하기로 합의한다. 이 합의는 영화의 여러 이야기가 얽히는 결정적 계기가 된다.

1995년 3월 27일 열린 제67회 아카데미상에서 《펄프 픽션》은 7개 부문에 후보로 올랐으며, 그 중 최우수 각본상을 수상하는 영예를 안았다. 이는 쿠엔틴 타란티노와 로저 에이버리[10]가 공동으로 수상한 상이었다. 최우수 작품상과 최우수 감독상에서는 《포레스트 검프》에 밀려 수상에는 실패했지만, 이는 독립 영화가 메이저 시상식에서 주요 부문 후보로 다수 지명되는 데 성공한 사례로 기록되었다.

아카데미상 외에도 《펄프 픽션》은 칸 영화제에서 황금종려상을 수상했으며, 영국 아카데미 영화상(BAFTA)에서는 최우수 각본상과 최우수 남우조연상(사무엘 L. 잭슨)을 받았다. 또한 골든 글로브 시상식에서는 최우수 각본상을, 미국 작가 조합상(WGA Award)에서는 최우수 각본상을 수상하며 작품의 서사적 혁신성을 공식적으로 인정받았다.

1994년 칸 영화제에서 황금종려상을 수상하며 비평가들의 열렬한 지지를 받은 펄프 픽션은, 그 해 가장 혁신적이고 영향력 있는 영화 중 하나로 평가받았다. 많은 평론가들은 영화의 비선형적 서사 구조, 날카로운 대사, 그리고 쿠엔틴 타란티노 감독의 독특한 스타일을 극찬했다. 로저 이버트는 이를 "연대기적 순서를 무시함으로써 오히려 캐릭터의 내면과 운명에 더 깊이 몰입하게 만드는 기발한 서사 실험"이라고 평했으며, 영화가 단순한 갱스터 영화의 클리셰를 넘어서 인생, 우연, 구원과 같은 보편적 주제를 탐구한다고 지적했다.

초기 반응 중 일부는 영화의 폭력적 장면과 노골적인 대사에 대한 우려를 표명하기도 했다. 그러나 이러한 요소들조차 대부분의 비평가들에 의해 영화의 전체적인 미학과 테마, 즉 허구적 세계(펄프)와 현실의 경계를 흐리는 데 기여하는 필수적인 부분으로 해석되었다. 《뉴요커》의 평론가인 앤서니 레인은 영화의 폭력이 "스타일화되고 거의 춤추듯 연출되어, 충격 그 자체보다는 그 충격이 만들어내는 리듬과 결과에 초점을 맞춘다"고 설명했다.

시간이 지나며 《펄프 픽션》에 대한 평가는 하나의 문화적 현상으로 고정되었다. 이 영화는 1990년대 독립 영화 붐을 주도하며 할리우드 메인스트림에 지대한 영향을 미쳤고, 이후 수많은 영화와 드라마의 서사 방식에 영감을 주었다. 주요 매체의 종합 평가를 보면 그 위상을 확인할 수 있다.

이 표에서 알 수 있듯, 《펄프 픽션》은 평론가와 관객 모두로부터 압도적인 지지를 받았으며, 영화사에 한 획을 그은 작품으로 자리매김했다.

《펄프 픽션》은 개봉 이후 현대 영화와 대중문화에 지대한 영향을 미쳤다. 영화의 비선형적 서사 구조는 이후 수많은 영화와 TV 드라마에서 모방되거나 참조되는 서사 기법의 새로운 표준을 제시했다[12]. 특히 독립 영화와 할리우드 메인스트림 간의 경계를 허무는 데 기여하며, 1990년대 미국 독립 영화 르네상스의 상징적 작품으로 자리 잡았다.

영화의 대중문화적 영향은 패션, 언어, 음악에까지 확장되었다. 사무엘 L. 잭슨이 연기한 줄스 윈필드의 가발과 검은 정장, 우마 서먼의 단발과 흰 셔츠 차림은 패션 아이콘이 되었으며, "Royale with Cheese"와 같은 대사는 일상 언어에 유행어로 정착했다. 영화에 사용된 서프 록과 1970년대 디스코 음악으로 구성된 사운드트랙은 고전 음악에 대한 새로운 관심을 불러일으켰고, 영화 음악 선정 방식에 혁신을 가져왔다.

《펄프 픽션》의 영향은 영화 산업의 경제적 구조 변화에도 반영되었다. 중간 규모 예산으로 제작된 이 영화의 상업적 성공은 스튜디오가 기존의 블록버스터 모델 외에 작가 중심의 개성적인 프로젝트에 투자할 가치가 있음을 증명했다. 이는 이후 쿠엔틴 타란티노를 비롯한 감독들에게 더 큰 창작적 자율성을 부여하는 계기가 되었다. 영화는 단순한 엔터테인먼트를 넘어 하나의 문화 현상이 되었으며, 21세기 영화 제작과 비평의 언어를 재정의하는 데 핵심적인 역할을 했다.